appunti di cinema

In Leone per agnelli ci si aspetta di trovare l’ennesima  presa di posizione netta contro la politica estera dell’attuale Amministrazione Statunitense con tanto di assunzione della guerra nel Vietman da un lato e l’idealismo Kennedyano dall’altro come immarcescibili paradigmi. Tuttavia Redford, il settantunenne cantore della sinistra americana,  rivolge il suo accorato richiamo non a chi le idee le ha già chiare, bensì a chi le ha  confuse, come lui suppone essere nelle giovani generazioni, probabilmente non del tutto a torto, se si ha in mente l’adolescenza apatica e innamorata esclusivamente dello skateboard ritratta con ben altra abilità di introspezione in Paranoid Park di Van Sant: certo cinema degli anni 70, in cui il biondo attore era il sexy eroe idealista, schierava i combattivi campioni per le strade a lottare contro i giganti, ora essi sono invecchiati, hanno i capelli tinti, il viso stropicciato, la giacca di velluto lisa, eppure seduti dietro una cattedra o una cinepresa non rinunciano alla missione di convertire il mondo e a tal fine impartiscono lezioni di  saggezza, nutriti dalla convinzione che, se il sistema e “i leoni” che lo dominano sono irrecuperabili, gli “agnelli” hanno il dovere di fare “qualcosa” per modificare le cose e non mortificare nella passività della resa la coscienza di liberi individui.

 Coerentemente con tale assunto illuministico le inquadrature insistono sugli orologi appesi alle pareti, espediente elementare ma efficace per mettere in rilievo la coincidenza cronologica dei tre episodi, ove l’ostentata sincronia implica la compresenza nello stesso momento storico fra le ragioni di un passato immodificabile e quelle di un futuro possibile, incarnate le prime negli adulti con ruoli di responsabilità, la giornalista, il politico e il docente, le seconde in chi, uscito appena dalle aule scolastiche, ha l’obbligo di concretizzare la formazione ricevuta in una scelta responsabile. Si recepisce  di conseguenza nel disagio sotto pelle di Meryl Streep,intervistatrice del senatore rampante e cinico, e di Redford, professore della West Coast University, il senso di colpa dell’intellettuale diventato  indifferente alle sorti del pianeta: il modo in cui viene recepito nel bene e nel male l’esercizio bellico è il sintomo più vistoso di una classe dirigente, cinica o senza più coraggio, che ha abdicato al compito fondamentale di essere  modello educativo esemplare ed è  la medesima società senza padri e maestri appena percepibile fra le ombre di Paranoid Park.

La pellicola d’altronde, sceneggiata da Carnahan, intrisa di fiducia pedagogica nelle teorie e nella parola,  concede spazio verbale ai punti di vista speculari, li fa almeno in parte interagire, astraendoli da situazioni reali: più che un film dunque l’imitazione di un dialogo platonico, nel quale la drammatizzazione delle convinzioni, al di là degli schemi ideologici rappresentati, affoga nel troppo facile e retorico appello ai sentimenti l’inconciliabilità eterna fra l’ottimismo dei principi e il pessimismo dei sudditi (  ricordate o recuperate se non l’ avete visto Flags of our Fathers di Eastwood!). Ed è per questa ragione che neppure chi ne ha ideato l’orchestrazione pare aver intuito quanto sarcasmo vi sia nella conclusione di Leone per Agnelli.

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COSI COMINCIA: La storia ha come sfondo la guerra in Medio Oriente condotta attualmente dagli Stati Uniti e ha tre scenari:  in un ufficio del Congresso a Washington un Senatore ambizioso concede un intervista a una giornalista su una nuova strategia da adottare in Irak contemporaneamente alla West Coast University un professore, Malley,  ha un colloquio con uno studente dotato ma privo di passione civile perché disincantato sulle sorti del suo Paese; nel frattempo due ex studenti di Malley, i migliori,  combattono al fronte…

TITOLO: Redford parlando con il suo studente gli ricorda che nella Prima guerra mondiale i soldati inglesi erano veri e propri leoni, comandati però da generali incapaci e vili, come appunto agnelli. Il senso del titolo cosi è chiaro: le giovani generazioni devono comunque essere leoni cioè combattere per una causa ideale, nonostante l’irrecuperabilità delle classi dirigente. E ‘ nella loro coscienza il futuro di un Paese.

CUORE: Il colloquio fra Malley e lo studente dotato  e disincantato- gli orologi che mettono in evidenza la sincronia degli episodi.

PARTICOLARMENTE ADATTO A: ama il cinema d’impegno e le pellicole a tesi.

STELLE: *** accorato appello verbale ai giovani ad impegnarsi attivamente nella vita civile.

VOTO: 6+

SCHEDA:

Lions for Lambs  USA 2007 Produzione  MATTHEW MICHAEL CARNAHAN, ROBERT REDFORD, TRACY FALCO, ANDREW HAUPTMAN PER UNITED ARTISTS, ANDELL ENTERTAINMENT E WILDWOOD ENTERPRISES  Distribuzione  20TH CENTURY FOX ITALIA  Datauscita  21-12-2007  Durata  95  Genere  DRAMMA ETICO  Specifiche tecniche  PANAVISION, 35 MM (1:2.35)  Regia Robert  Redford   Attori Robert  Redford  Dottor Stephen Malley Meryl  Streep  Janine Roth Tom  Cruise  Senatore Jasper Irving Michael  Peña  Ernest Derek  Luke  Arian Peter  Berg  Wirey Pink Andrew  Garfield  Todd John  Brently Reynolds  Skinny Louise  Linton  Sig.na M. Soggetto Matthew Michael Carnahan   Sceneggiatura Matthew Michael  Carnahan   Fotografia Philippe  Rousselot   Musiche Mark  Isham   Montaggio Joe  Hutshing   Scenografia Jan  Roelfs   Arredamento Leslie A.  Pope   Costumi Mary  Zophres   Effetti  Industrial Light & Magic (ILM)   Tweak Films

Note - PRODUTTORI ESECUTIVI: TOME CRUISE E PAULA WAGNER.

- PRESENTATO FUORI CONCORSO ALLA II^ EDIZIONE DI 'CINEMA. FESTA INTERNAZIONALE DI ROMA' NELLA SEZIONE 'CINEMA 2007'.

Quasi tutti i film di Ken Loach potrebbero essere inseriti in un pamphlet contro il  capitalismo e l’ideologia neoliberista. La cinematografia di matrice realista dell’autore inglese non pone al centro dell’obiettivo individui chiusi nel privato di una stanza, ma  corpi in movimento coatto per le strade, nei cantieri o in uffici stipati, involucri svuotati di anima e di identità da un meccanismo che ne ha provocato la metamorfosi da esseri umani in schiavi: “mi chiamo Ludmilla” “faccio l’insegnante” bisbigliano, confusi nella mandria prima di entrare nel macello, gli immigrati di In questo mondo libero e quei timidi sussurri traducono il rimpianto per una vita mancata.  La quotidianità della metropoli del terzo millennio ha realizzato e ha reso invisibile abbagliando con il luccichio dei grattacieli la distopia dei romanzi di fantascienza, un mostro cannibale, in opposizione al quale si ergono  un barlume di coscienza e talora l’ eroica lotta per non farsi divorare: le epopee romantiche dell’emarginazione ribelle in “Piovono pietre”, “ Lady Bird, Lady Bird” o “Sweet Sixteen”, il miglior Ken Loach, emozionano e stordiscono alla stregua di un appassionante match di pugilato.

In In questo mondo libero, presentato alla 64.ma mostra di Venezia, il regista e il suo sceneggiatore Paul Laverty rovesciano lo schema consueto: la battaglia non è condotta in nome di nobili ideali, bensì per l’ egoistica, quanto illusoria, preservazione di se stessi. Angie, ragazza madre, una lunga serie di frustrazioni alle spalle, licenziata dall’agenzia di collocamento per extracomunitari ove è impiegata, decide di diventare imprenditrice, saltando il fosso che divide oppressi e oppressori e riuscendo a trasformarsi da vittima sfruttata in aguzzina profittatrice. L’iniziazione della giovane e bionda centaura, protagonista del lungometraggio, al brutale universo di chi ricava guadagni enormi sullo schiavismo degli immigrati clandestini non contempla cooptazione e nemmeno  coraggio: l’unica prova da superare è il tradimento degli affetti familiari e dell’amore, nonché la rinuncia ai valori inculcati dall’educazione dei padri ancora imperniata sull’etica.

 Un percorso paradigmatico dal progresso alla  barbarie, sicuramente verosimile nella sue esemplarità, che però Loach non riesce ad illuminare in profondità: assillato dall’ansia didattica di documentare il peggiore dei mondi possibili, convinto probabilmente che il terzo mondo londinese abbia soffocato in chi lo abita, respiro umano, egli rinuncia a percepirne il soffio e a portarlo alla luce. Si accontenta piuttosto di una morale scontata, affidata a personaggi irrisolti e alla loro elementare dialettica: nella solidarietà fra poveri vi è speranza e salvezza, chi si estranea, superando il limite per realizzarsi come self-made man, si perde, precipitando in un baratro senza fondo.

 Più ambigua resta invece la radice del degrado, in quanto malvagità innata e innocenza non hanno nessuna parte nella fosca vicenda: se, parrebbe di capire, è la jungla civile a corrompere l’uomo, a provocare  la violenza già nella aule di scuola elementare e si rapiscono i bambini per avere giustizia e riappropriarsi del maltolto, basterebbe cambiare sistema e scomparirebbero le iniquità dalla faccia del pianeta? E i boss mafiosi, gli impuniti dalle autorità indifferenti o conniventi, i nascosti manovratori dei derelitti, di cui dà testimonianza “In questo mondo libero” di quale marciume sono figli? Cercare una risposta all’eterna presenza del male, frugando il cuore di tenebra,  avrebbe significato forse per Loach proiettare un’ombra sulla sua musa ispiratrice ovvero l’ideologia, eppure la storia della dannazione di Angie sarebbe stata un’ottima occasione per andare oltre all’apologo didattico e all’abituale, ovvio aggiornamento dei manualetti marxiani.        

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COSI’ COMINCIA: Siamo nell’Inghilterra dei giorni nostri. Angie, lavora in un’agenzia di collocamento e a causa di una cattiva risposta data un cliente viene licenziata: decide allora di cambiare vita, di buttarsi alle spalle anni di sconfitte e frustrazione e di fondare una propria agenzia, con lo scopo di inserire gli immigrati nel mondo del lavoro. Un’amica Rose l’aiuta ed insieme si trovano a dover lottare contro un sistema cinico basato sulla sopraffazione nei confronti dei più deboli.  

TITOLO: “Londra è il terzo mondo” si dice nel film: il mondo occidentale è la parte del pianeta libera per antonomasia. Autonomia di scelta, opportunità, possibilità di essere soggetto attivo del processo produttivo caratterizzano in teoria le società capitalistiche e il titolo, richiamando tali virtù conclamate , suona beffardo. 

CUORE:  La scena in cui Angie e Rose, amiche da una vita, si separano in auto: la prima ha appena denunciato un gruppo di clandestini per sgombrare lo spazio che le serve per i suoi operai, raggiungendo il culmine del degrado morale, il punto di non ritorno; l’altra l’abbandona, dicendole “Non ti riconosco più”.

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PARTICOLARMENTE ADATTO A: a chi considera il sistema capitalistico il peggiore o il migliore dei mondi possibile

STELLE: **flash sul terzo mondo londinese

VOTO/BILANCIO: 6-

SCHEDA:   

It's a Free World...    GERMANIA, GRAN BRETAGNA, ITALIA, SPAGNA  2007 Produzione  KEN LOACH, REBECCA O'BRIEN, PIOTR REISCH, RAFAL BUKS PER SIXTEEN FILMS LTD., TORNASOL FILMS S.A., SPI INTERNATIONAL, FILMSTIFTUNG NORDRHEIN-WESTFALEN, FILMFOUR, EMC PRODUKTION, BIM DISTRIBUZIONE  Distribuzione  BIM  Data uscita  28-09-2007

Durata:1h e 36’

Genere: DRAMMA SOCIALE

Regia Ken  Loach  

Attori

Kierston  Wareing  Angie

Juliet  Ellis  Rose

Leslaw  Zurek  Karol

Colin  Caughlin  Geoff

Joe  Siffleet  Jamie

Faruk  Pruti  Emir

Branko  Tomovic  Milan

Radoslaw  Kaim  Jan

Serge  Soric  Toni

Nadine  Marshall  Diane

Frank  Gilhooley  Derek

Raymond  Mearns  Andy

Steve  Lorrigan  Sergente di polizia

Sceneggiatura Paul  Laverty  

Fotografia Nigel  Willoughby   

Musiche George  Fenton  

Montaggio Jonathan  Morris  

Scenografia Fergus  Clegg   Costumi Carole K.  Millar  

Zola, il padre del Naturalismo, descrive nelle pagine iniziali de L’assommoir (1876) l’effetto ammorbante sull’aria della città/carnaio dei luoghi dannati preposti a nutrirla: “…gruppi di macellai, davanti ai mattatoi, parevano immobili nei loro grembiuli insanguinati, e il vento fresco trascinava con sé, a tratti, un fetore, un odore selvaggio di bestie massacrate”. Attorno ai macelli vegetava già allora un’umanità miserabile abbruttita dall’alcool ed è ancora più o meno cosi oggi,  stando al film di Linklater, regista indipendente di non eccelso talento,  Fast Food Nation, ispirato al best seller di Schlosser, dove però il sangue del mattatoio della “MicKey’s” a Cody tramortisce i sensi dello spettatore solo alla fine. Davanti a quelle povere bestie terrorizzate spinte dentro un cunicolo, uccise e smembrate per diventare hamburger, si ha la dimostrazione concreta di quanto la  sensibilità di strati crescenti dell’opinione pubblica verso tematiche quali rispetto dell’ambiente, condizioni di lavoro, trattamento degli animali nelle sperimentazioni  e nell’alimentazione, non sia questione di moda o di astratte ideologie no global. Gli anticorpi di un apparato produttivo del resto e la sua stessa efficienza si giocano nel coraggio di correggersi, pena l’inceppamento del meccanismo e la soppressione, per quanto momentaneamente differita: il lungometraggio dunque è soprattutto un campanello d’allarme per le catene di fast-food e per i loro clienti.

 Fast Food Nation  di fatto sbandiera  proclami velleitari contrapposti a prevedibili capitomboli nel baratro e, prima di entrare nelle stanze di tortura del lager, si sguinzaglia in un racconto corale, secondo la tradizione di certo cinema statunitense, seguendo le tracce di un centone di personaggi rigidamente esemplari e eludendoli quando arrivano al bivio: se riconoscere il male comporta, come prevedibile in un’ opera del genere, la resa o il rifiuto,  è prova della scarsa capacità della pellicola di evadere dagli angusti limiti del pamphlet di denuncia l’approssimazione nell’affrontare il frangente della possibilità/impossibilità di un mutamento di giudizio e del conseguente cambiamento sociale minimo o radicale. Sarebbe probabilmente stato sufficiente dare sviluppo coerente almeno a una della situazioni abbozzate e dotare la coscienza dei protagonisti di maggior incisività nella ribellione, nell’accettazione, nel compromesso e nella caduta: al contrario il cast di famosi presta voce e gesti a una variegata tipologia di individui, connotati schematicamente in base ai rapporti con la multinazionale della carne; all’interno degli uffici, delle fabbriche e dei negozi del tentacolare organismo, o appena fuori, l’umanità si suddivide in chi consapevolmente accetta il sistema, chi vi lavora chiudendo gli occhi,  chi ne sfrutta le storture per il potere personale, chi  è  fragile per opporsi alla condizione di vittima, chi ha il coraggio e la cultura per farlo, ma non sa trovare i mezzi  efficaci, e infine quei pochi che hanno il privilegio di esserne indipendenti.

 Giustamente da questo punto di vista Linklater e Schlosser sono vaghi nell’indicare colpevoli o responsabili ai piani alti, giacché far nomi avrebbe significato minimizzare riducendo la vicenda al solito complotto di pochi malvagi potenti, capro espiatorio facilmente removibile: tuttavia la prospettiva dagli infimi gradini della scala sociale si concreta in una coreografia didascalica, con figure ad effetto.

 La lezioncina da impartire è alleviata comunque da un pizzico di ironia riservato ai contestatori e alle loro plateali azioni di disturbo: i ragazzini che imitano Greenpeace vanno di notte a liberare le mucche destinate allo scannatoio, ma queste restano dentro ostinatamente. Perché? Si chiede la giovane idealista ..bella domanda, no?    

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COSI’ COMINCIA: Don Anderson, un dirigente della Mickey’s, una catena di fast food, venendo a sapere che per uno dei prodotti di punta della casa, il “Big-one”, dovrebbe venire utilizzata carne di manzo avariata, viene inviato a  verificare personalmente, nella filiale di Cody(paese inesistente) nel sud della California ai confine con il Messico….

TITOLO: Il titolo vuole essere una definizione sintetica degli Stati Uniti d’America, di cui la pellicola ha l’ambizione di descrivere uno dei gangli più vitali del sistema produttivo, quelli cioè che riguardano l’industria alimentare. L’attributo più significativo è “veloce”: il meccanismo per essere redditizio non deve concedersi pause, deve stritolare e maciullare uomini e animali.

Vi è però anche un chiaro riferimento all’hamburger il piatto che ovunque è sinonimo di America: intento del regista infatti, stando a quanto egli stesso sostiene, è soprattutto mettere in guardia i clienti dei Fast food su quello che mangiano. 

CUORE: l’interminabile sequenza che si svolge nel cuore più segreto del mattatoio, dove si assiste al massacro degli animali, destinati ad alimentare gli umani, la cui società è dunque  connotata a tutti i livelli da un feroce cannibalismo.

ADATTO A: a chi ama il cinema di denuncia, a chi sceglie il fast food e a chi lo evita come la peste.

STELLE:** vedibile

 VOTO/BILANCIO: 5+

SCHEDA:   USA  2006- Produzione  HANWAY FILMS, RECORDED PICTURE COMPANY (RPC) 

Distribuzione  DNC  Data uscita 20-07-2007

Durata 1h e 56’

Colore  C 

Genere  DRAMMATICO, SOCIALE 

Tratto da  libro omonimo di Eric Schosser 

Regia Richard  Linklater  

Attori

Patricia  Arquette  Cindy

Bobby  Cannavale  Mike

Paul  Dano  Brian

Luis  Guzmán  Benny

Ethan  Hawke  Pete

Ashley  Johnson  Amber

Greg  Kinnear  Don Anderson

Kris  Kristofferson  Rudy Martin

Avril  Lavigne  Alice

Esai  Morales  Tony

Catalina  Sandino Moreno  Sylvia

Lou Taylor  Pucci  Paco

Ana Claudia  Talancón  Coco

Wilmer  Valderrama  Raul

Bruce  Willis  Harry Rydell

Cherami  Leigh  Kim

Mitch  Baker  Dave

Jason  McDonald  Riley (non accreditato)

Erinn  Allison  Impiegata dell'hotel

Raquel  Gavia  Rita

Glen  Powell Jr.  (Glen Powell) Steve

Dana  Wheeler-Nicholson  Debi

Armando  Hernández  Roberto

Juan Carlos  Serrán  Esteban

Yareli  Arizmendi  Gloria

Roger  Cudney  Terry

Francisco  Rosales  Jorge

Soggetto Eric  Schlosser  (libro)

Sceneggiatura Richard  Linklater   Eric  Schlosser  

Fotografia Lee  Daniel  

Musiche Friends of Dean Martinez  

Montaggio Sandra  Adair  

Scenografia Bruce  Curtis   Arredamento Phil  Shirey   Costumi Kari  Perkins   Lee  Hunsaker  

Effetti Steve  Wolf  Amalgamated Pixels    Wolf Stuntworks Inc.  

Barry Levinson, da qualche anno fedele al culto delle stelle hollywoodiana, ne “L’uomo dell’anno” trasforma il dibattito attuale  sulla crisi del sistema democratico rappresentativo in un  palcoscenico  per l’esibizione fra il serio e il faceto del noto attore di commedie, Robin Williams, e fa un tonfo clamoroso: probabilmente il doppiaggio non rende giustizia alla star, ma resta l’impressione  che la tematica indubbiamente impegnata e i cambiamenti di registro, imposti dalle poco studiate giravolte dell’intreccio, ne mettano a disagio l’istrionismo, dando un contributo non da poco  all’infondatezza dell’ipotesi, su cui la pellicola basa la sua provocazione fittizia. A non avere credibilità è precisamente la figura del comico dall’anima candida, prestato per caso e provvisoriamente al mestiere della politica, con lo scopo di renderla più trasparente e più vicina ai problemi della gente comune: quando Tobbs durante una tribuna televisiva con il candidato democratico e con quello repubblicano, ne sovverte la disciplina, alzandosi, gesticolando, e accusando gli avversari di fare gli interessi delle “lobby”, sembra aver compreso il vecchio e ormai abusato trucco, che se ci si offre come un prodotto nuovo ed estraneo ai giochi di potere si ha una qualche probabilità di catturare i voti degli elettori. Demagogia e populismo, accuse qualunquistiche contro tutto e tutti, opportunistici bersagli e interessi personali ambiguamente mascherati la fanno da padrone nei discorsi dei leader e i mass media amplificano una sfida viziata dalla perfetta identità dei campioni in gara: se questo è il contesto, adombrato del resto da “L’uomo dell’anno”, cosa può spingere un individuo a tentare l’impresa titanica di combattere i giganti? Il cinico tornaconto, l’ambizione sfrenata, il narcisistico bisogno di essere al centro dell’attenzione o il nobile intento di cambiare la società dall’alto? La scelta dello scialbo Tobbs  ha radici molto vaghe in una blanda fiducia nella propria immagine salvifica: la sua  irriverenza verbale non ha reale mordente e tanto meno egli ha la statura per ergersi a simbolo di una rivoluzione o anche solo di un mite mutamento dei costumi, a meno che non si vogliano considerare messaggi subliminali le battute su Cicciolina, la pornostar italiana diventata parlamentare, o su un governo formato da lesbiche riunito a porte rigorosamente chiuse. Comunque Levinson, quasi fosse consapevole della spalle fragili dell’eroe, lo ha tolto quasi subito dai pasticci, consentendogli di eludere le responsabilità grazie alla vittoria per errore e all’immediata conseguente abdicazione volontaria dal trono, e buttandogli fra le braccia  una dolce biondina da salvare dai malvagi di turno. Insomma si fa un bel giro a vuoto: chi ha la sola virtù di bucare lo schermo, allo schermo ritorna, e, quando i meccanismi vanno in tilt,  la saggezza di una Nazione in buona salute morale la preserva da avventurosi salti nel buio.    

DOPO LA MORALE ECCO LO SCHELETRO:

COSI’ COMINCIA: Tom Tobbs, un conduttore televisivo caustico nei confronti dei politici di professione, accetta provocatoriamente l’invito di una spettatrice a candidarsi alla Presidenza degli Stati Uniti e vince la sfida. Tuttavia a consentirgli di prendere un numero di voti superiore agli altri candidati è semplicemente un difetto  del sistema elettronico, messo a punto da una multinazionale, utilizzato per la prima volta nelle votazioni. Ad accorgersi dell’errore è Laura Linney, una programmatrice, che per tale motivo viene licenziata…

TITOLO: Chi è l’uomo dell’anno del titolo? Il presidente o la star televisiva di turno? La confusione dei ruoli, incarnata dal comico neoeletto Presidente, parrebbe denunciare l’intento provocatorio di Levinson( che qui riproporrebbe la stessa riflessione sulle distorsioni connaturate a un ruolo pubblico del ben più crudele “Sesso & potere”) ma, visto la vaghezza dell’atto di accusa e la conclusione conciliante, è più facile supporre trattarsi di un’occasione offerta su un piatto d’oro all’istrionismo del primo attore, Robin Willams.

CRONOTOPO OVVERO DOVE E QUANDO L’ambientazione nell’America contemporanea è confusa ed approssimativa: l’immagine degli States è superficiale, stereotipata. Si vedono in pratica le solite cose: studi televisivi, pulmann in viaggio, folle plaudenti.  Il  voto di Tobbs secondo il nuovo sistema elettronico, fa da spartiacque fra la prima e la seconda parte del lungometraggio, dove proprio la mancanza di un contesto ambientale adeguato impoverisce totalmente il senso del film. Si pensi alla facilità con cui la Linney riesce a entrare in contatto con il Presidente designato o alle scene che dovrebbero mostrare l’inadeguatezza di Tobbs al ruolo, come l’ingresso nella famosa stanza ovale o il gioco alla guerra in  tuta mimetica. 

La trasformazione del film da satira politica in giallo e poi in commedia sentimentale dovrebbe imporre accelerazione e rallentamenti dell’azione: invece il ritmo non cambia mai, frequenti i tempi morti.

SISTEMA DEI PERSONAGGI E PROSPETTIVA: La caratterizzazione dei personaggi si limita a poche notazioni fisiche: al centro della scena sta William di cui però emerge esclusivamente il conduttore televisivo dalla parlantina brillante e dalla battuta facile

CUORE: Il confronto televisivo fra i tre candidati: Tobbs rompe gli schemi del dibattito, e la sua anarchia gestuale e verbale mette in crisi sia il candidato repubblicano sia quello democratico, entrambi immagine omologata  del sistema mummificato a cui appartengono. 

ADATTO: forse ai fan di Robin Williams

VOTO: 4

SCHEDA:  Man of the Year, USA 2006 Regia: Barry Levinson Cast: Robin Williams, Chiristopher Walken, Laura Linney Sceneggiatura: B.Levinson Fotografia: Dick Pope. Musica: Greame Rewell Produzione: B. Levinson e James G. Robinson Distribuzione: Medusa Durata: 1h e 55’

Uomini e donne ne “Gli innocenti” di Per Fly, terza parte di una trilogia sulla classi sociali in Daminarca, guardano attraverso i vetri delle loro villette ordinate e i loro lineamenti risultano sfocati e nello stesso tempo deformati da un’angoscia non più rattenuta: oggetto di osservazione qui di fatto è la classe media, o meglio il ceto intellettuale, di cui il lungometraggio vorrebbe portare alla luce le contraddizioni e l’ansia di appagamento morale all’interno di una società apaticamente inerte in un quieto benessere di giardini ben tenuti e di case bianche appuntite a mo’ di chiese in mezzo al deserto. Eppure con la tipologia umana intellettualmente velleitaria descritta nella pellicola difficilmente si riesce ad entrare in sintonia: un senso di disagio, non attribuibile sicuramente alla nazionalità del protagonista, ostruisce