appunti di cinema

Ratatouille, ennesimo prodigio dei laboratori della Pixar, è l’ultimo elemento di un climax, che mira a fare del cartone animato il più colto dei generi cinematografici.  La pellicola, diretta dal Brad Bird che ne Gli incredibili aveva imbrigliato in una normalità antieroica i superuomini e superdonne, celebra il matrimonio fra i piani nobili della letteratura alta e la cucina rustica e plebea degli sguatteri e dei pavimenti infestati dai roditori: Orazio, Hugo, Balzac, Baudelaire, Proust e Roland Barthes si imbrattano con gli intingoli, respirano gli aromi dalle pentole, degustano, allibiscono, si innamorano e si convertono. L’artista scopre sorprendentemente che  invitare i borghesi a tavola e sognare insieme a loro la favola d’un mondo riunito a banchetto dove l’unica distinzione è fra chi crea occasioni di piacere e chi ne gode stimola ed appaga sensi ed intelligenza molto più che “scandalizzarli”.

  La conversione accidentale schiude orizzonti fantastici, perché scaturisce in nome e nel luogo e nella circostanza più prosaica che si possa immaginare: nel palato depresso dell’arcigno censore-vampiro, il critico gastronomico Anton Ego, lo stufato di verdure, la Ratatouille, si trasforma in musica, pittura e poesia, ovvero in un assemblaggio inconfondibile di colori, odori e sapori, l’incantesimo di una sinestesia, da cui si sprigionano memoria e rinascita. Evidente la reminiscenza della celebra pagina proustiana sulla “Maddaleine” e sulle “intermittenze del cuore”, eppure, al di là della citazione erudita, la risemantizzazione filmico/sentimentale commuove: conquista ciò che tocca il cuore, ciò che fa sentire viva l’anima ed il segreto del grande chef è fare di ognuno di noi una corda di violino.

 La Disney affida alla sua icona tradizionale, il topolino, la missione di diffondere il vangelo culinario, e il territorio d’elezione non può essere che la Parigi del mito, quella del popolo delle fogne, delle mansarde dei poeti maledetti, delle strade costipate dall’auto- balena DS, celebrata da Barthes ne I miti d’oggi.: il ratto Rèmi non parla con gli uomini, perché non è un uomo, egli appartiene, in apparenza e per caso alle creature più infime del regno animale, in realtà alla razza privilegiata dei creatori; nuovo Charlie Chaplin sa rendere visibile l’universo in cui vive, dandogli forma inedita e miracolosa bellezza, i suoi strumenti comunicativi sono mimica, occhi, gesti,  mestolo, e la sua coscienza ha il capello da cuoco.  

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COSI COMINCIA: Remy è un ratto dotato di particolare talento per l’arte culinaria. Costituisce l’occasione della sua vita l’incontro con lo sguattero Linguini che lo introduce nella cucina di uno dei più celebri ristoranti parigini, proprio l’ex regno del grandissimo chef, Auguste Gusteau, idolo del topo.

TITOLO: La parola ratatouille colpisce, stimola l’udito e traduce in suoni la magia visiva della pellicola: un semplice stufato di verdura cucinato da un topo di fogna suscita le stesse emozioni di una pagina di Proust.

CUORE: la riscrittura della celebre pagina proustiana sulla “maddaleine”, quando il critico Ego mangia la ratatouille,  ricorda la sua infanzia, e torna a vivere.

PARTICOLARMENTE ADATTO A: a tutti e soprattutto a chi non ha idea di cosa sia oggi un cartone animato.

STELLE: ****inevitabile associarsi al coro

VOTO/BILANCIO: 9

SCHEDA:

Durata  110 

 USA 2007 Produzione  PIXAR ANIMATION STUDIOS, WALT DISNEY PICTURES 

Distribuzione  BUENA VISTA INTERNATIONAL ITALIA  Data uscita  17-10-2007 

Durata 1 h e 50’

Genere  ANIMAZIONE, COMMEDIA, FAMILY 

Tratto da  racconto di Brad Bird, Jim Capobianco e Jan Pinkava 

Regia

Brad  Bird   Soggetto Brad  Bird  (racconto) Jim  Capobianco  (racconto) Jan  Pinkava  (racconto) Emily  Cook  (materiale aggiuntivo) Kathy  Greenberg  (materiale aggiuntivo)

Sceneggiatura Brad  Bird  

Fotografia Robert  Anderson (III)   Sharon  Calahan  

Musiche Michael  Giacchino  

Montaggio Darren T.  Holmes  (Darren Holmes) 

Scenografia Harley  Jessup  

Effetti Benjamin  Andersen  

Francis Ford Coppola rompendo un silenzio decennale torna sugli schemi con l’astruso Un’altra giovinezza, tratto da un romanzo dello studioso di storia delle religioni Mircea Eliade, scritto nel 1976 e pubblicato da Gallimard nel 1980, e avverte lo spettatore: “ E’ un film che va visto due, tre volte prima di capirlo ed amarlo. Non faccio Shrek, ho bisogno di tempo”. Legittimo dunque supporre, viste la presenza di riferimenti eruditi che la pellicola necessiti di una sosta di riserva ad ogni sequenza, e che la densità dei contenuti  richieda una eccezionale fermentazione, alla stregua di un trattato filosofico i cui paragrafi vanno centellinati con concentrazione assoluta. Tuttavia, ed è la prima impressione, innegabile, nella lettura coppoliana dell’opera del saggista rumeno vi sono  la generosità di un entusiasmo neofita ed epidermico e  lo scarso autocontrollo dell’innamorato felice, cosicché anni di rigorose ricerche empiriche agli occhi del pubblico medio corrono il rischio di confondersi in certa paccottiglia orientaleggiante da cartomanti blateranti di reincarnazioni e metempsicosi.

In realtà i libri di Mircea Eliade, Il mito dell’eterno ritorno, Il sacro e il profano, Storia delle credenze e delle idee religiose  costituiscono una tappa fondamentale nell’ambito delle religioni primitive: essi si ispirano al pensiero dello psichiatra svizzero Carl Gustav Jung( 1875-1961), il quale formulò il concetto di “archetipo”, identificandolo con le immagini appartenenti al patrimonio comune dell’umanità, risultato di esperienze ricorrenti, quali la nascita, la morte, la fuga dal pericolo, e componenti l’”inconscio” concepito come “una poderosa massa ereditaria spirituale che rinasce in ogni struttura individuale”. E una delle tante teorie nobili scaturenti dall’ossessione diffusa durante la cosiddetta “crisi della cultura” nell’Europa colta della prima metà del 900’ per un recupero delle origini mitiche dell’umanità e per l’identificazione dell’istante magico in cui l’infanzia comune dell’uomo protostorico si mutò in maturità cosciente e differenziata per stirpi e lingua. Eliade, forse per fare dell’amara ironia sull’argomento, in uno “scherzo” di circa 160 pagine racconta la parabola di Dominic Mattei, un settantenne glottologo disperato per aver perso ogni illusione, a cui viene beffardamente concessa la miracolosa possibilità di prolungare l’esistenza fondendo la saggezza della vecchiaia con il vigore fisico e psichico della giovinezza. Il testo dà voce alla frustrazione perenne della scienziato di poter arrivare nell’arco ristretto di una sola vita a una qualche verità totalizzante e definitiva, ma, fecondo di rimandi a figure e motivi letterari topici( Faust, Dorian Gray, Frankenstein) ostacola una chiave interpretativa rigidamente univoca. Eppure Coppola, pur divagando e complicando, con l’istinto viscerale e fanatico del cineasta purosangue, ne estrapola una nobilitazione estetica ed etica della settima arte, elevandola a mezzo privilegiato, anzi l’unico, di indagine sul senso della vita, purché libera dai condizionamenti imposti dall’industria hollywoodiana: l’atmosfera retrò, la macchina da presa immobile, le inquadrature sghembe e capovolte, gli ideogrammi cinesi indiani e giapponesi, la strutturazione ad anello della vicenda, affermano un’idea di cinema puro, sottratto all’accidentalità temporale dell’effimero, poesia eternatrice, tradizione ed esperimento, tecnica ed improvvisazione,  argomentazione logica e delirio onirico, contenente e contenuto, compromesso con il potere politico e ribellione intellettuale…in sintesi, vecchia e giovinezza, ragione e sentimento.

  La speranza  di approdare a certezze conoscitive è vana , la bellezza perennemente giovane è parvenza inconsistente si frantuma con lo specchio che la contiene, ma l’uomo nasce e muore per essere immortalato nell’ultimo fotogramma da tesaurizzare: un volto decrepito, un corpo adagiato sulla neve, una rosa rossa tenuta stretta nella mani del cadavere, memoria di passione e sangue….e in sottofondo un disco incantato e una voce sommessa che ripete all’infinto una nenia:” C’era una volta una farfalla che sognava di essere un re, che sognava di essere una farfalla, che sognava di essere un re…”…

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COSI COMINCIA: Nella Romania del 1938, mentre sta per scoppiare la seconda Guerra Mondiale, il professore Dominic Matei, settantenne docente di linguistica, depresso e sul punto di togliersi la vita, viene colpito davanti alla stazione di Bucarest da un fulmine e la scarica elettrica miracolosamente lo fa ringiovanire….

TITOLO: Il titolo Youth Without Youth  si riferisce alla condizione del miracolato del protagonista giovane e vecchio nello stesso tempo.

CUORE: Dominic tornato nel suo vecchio bar incontra gli amici invecchiati e tenta di raccontare loro la favola della farfalla che sognava di diventare re che sognava di diventare una farfalla, ma la sua memoria svanisce.

PARTICOLARMENTE ADATTO A: ai glottologi appassionati

STELLE: ***film controverso. Il regista dice che per capirlo ed amarlo non basta vederlo una volta sola. Comunque, nonostante le perplessità, ha un certo fascino.

VOTO/BILANCIO: 6.50

SCHEDA:

 Youth Without Youth  USA 2007 Produzione  FRANCIS FORD COPPOLA PER AMERICAN ZOETROPE  Distribuzione  BIM  Data uscita  26-10-2007 

Durata  2 h e 4’ 

Genere: DRAMMA METAFISICO 

Tratto da  romanzo "Un'altra giovinezza" di Mircea Eliade (ed. Rizzoli) 

Regia Francis Ford  Coppola  

Attori

Tim  Roth  Dominic Matei

Alexandra Maria  Lara  Veronica/Laura

Bruno  Ganz  Professor Stanciulescu

André  Hennicke  (André M. Hennicke) Josef Rudolph

Marcel  Iures  Professor Giuseppe Tucci

Adrian  Pintea  Pandit

Alexandra  Pirici  La donna della Stanza 6

Zoltan  Butuc  Dottor Chirila

Adriana  Titieni  Anetta

Mirela  Oprisor  Craita

Hodorog Anton  Mihail  Doru, la guardia

Gelu  Nitu  Poliziotto

Dan  Sandulescu  Nicodim

Alexandru  Repan  Dottor Chavannes

Mihai  Niculescu  Vaian

Fabio  Scialpi  Blasi

Florin  Piersic Jr.  Dottor Gavrila

Mircea  Albulescu  Davidoglu

Roxana  Guttman  Gertrude

Cristian  Balint  Grenzschutz

Theodor  Danetti  Dottor Neculache

Matt  Damon  (non accreditato)

Soggetto Mircea  Eliade  

Sceneggiatura

Francis Ford  Coppola   Fotografia Mihai  Malaimare Jr.  

Musiche Osvaldo  Golijov  

Montaggio Walter  Murch  

Scenografia Calin  Papura  

Arredamento Adi  Popa  

Costumi Gloria  Papura  

Un uomo con il capello visto di spalle cammina in una via urbana buia; l’oscurità è però contrastata dai bagliori che sembrano emanare dal volto di donna raffigurato in alto, al posto dell’orizzonte: i tratti di lei sono nitidamente visibili e riconoscibili, eppure increspati, disturbati, come se fossero sul punto di svanire e di essere cancellati; fanno venire in mente versi di Montale sui visi che lottano per affiorare alla memoria e per non essere sommersi dal nulla dell’oblio( “Ti libero la fronte dai ghiaccioli/ che raccogliesti traversando l’alta/ nebulosa: hai le penne lacerate,/ dai cicloni…). Il poster pare dunque alludere simbolicamente al percorso che ogni uomo compie attraverso il tempo: egli procede volto all’indietro, ossessionato da un passato irrecuperabile, costantemente in bilico fra realtà e immaginazione. E’ il senso ultimo  ricavabile dal romanzo filosofico “Un’altra giovinezza” del 1976 di Mircea Eliade, storico delle religione, da cui Coppola ha tratto il suo film.

Un romanzo di grande successo dello scrittore statunitense Cormac McCarthy, La strada vincitore del Premio Pulitzer 2007, narra del viaggio in direzione dell’Oceano di un uomo e suo figlio attraverso i resti di un mondo ridotto a cenere da una futura apocalisse nucleare ed esprime in una sorta di lirismo scarnificato la sensazione diffusa di essere giunti al punto di non ritorno  nella Storia della civiltà occidentale e nello stesso tempo l’urgenza di salvare dal naufragio e consegnarlo alle generazioni successive ciò che riuscirà a sopravvivere di una tradizione secolare di valori e di scoperte rigeneranti e salvifiche.

 Il bel libro dell’autore di Non è un paese per vecchi( portato peraltro sugli schermi da Joel ed Ethan Coen) viene in mente se si confrontano Quel treno per Yuma del 1957 di Delmer Daves, una pietra miliare del western, e l’attuale suggestivo remake di James Mangold: la poetica del postmoderno si concretizza spesso in operazioni analoghe di natura meramente estetica, ma qui le macroscopiche variazioni rispetto al modello denunciano come alle radici della tentata resurrezione di un genere considerato anacronistico e dei suoi frutti più felici si celi l’inconfessabile istanza da parte di artisti e di intellettuali di dotarsi di strumenti più precisi per prendere le misure di una realtà contemporanea sempre più elusiva ed angosciosa. Se l’umanità è arrivata al capolinea, quella migliore metafora per raccontarla dei territori riarsi dei pionieri, della jungla senza legge e senza Dio, delle sfide dei superstiti per durare un attimo in più dell’avversario?

  Mangold di fatto scombina l’universo scarnificato di Daves, ne intinge la severa linearità cromatica in un kitsch frastornante, ne sconvolge la pacata dilatazione temporale in una cronometria adrenalinica e infine il barocchismo della forma infetta la solidità epica dei personaggi contaminando il guerriero barbaro Achille con il pio Enea: se il rispetto dell’ordine non discrimina i buoni dai cattivi e il diritto lo stabiliscono torturatori e  ricchi razziatori di campi altrui, l’ eroismo è avere gambe zoppicanti, è il “non essere uomini di una nota sola” e l’intesa cavalleresca fra duellanti, a parole,  spiritualmente affini nasce sull’eredità ideale da lasciare all’adolescente, il quattordicenne William, figlio di Dan. E’ lo sguardo vergine ed inflessibile del ragazzo il tribunale davanti al quale esibiscono le loro arringhe il feroce bandito e il contadino umiliato, in attesa entrambi di riabilitazioni improbabili: la sentenza irrevocabile da lui emessa sarà la strada intrapresa dall’umanità del giorno dopo e il fucile e la Bibbia imbracciati  saranno il fuoco di Prometeo.  

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COSI COMINCIA: Siamo nell’Arizona di fine ‘800. Bne Wade, capo di una banda di spietati rapinatori, viene catturato e deve essere tradotto al forte di Yuma per essere processato e condannato. Ad assumersi il pericoloso incarico di portarlo fino al treno che dovrà portare il criminale a destinazione è Dan Evans, un veterano della Guerra Civile , che vede nell’impresa l’occasione per liberarsi dei debiti che se non saldati lo costringeranno a vendere la fattoria con la quale mantiene la famiglia.

TITOLO: Il titolo con la perentoria indicazione dell’ora e del luogo, ripreso pari pari dal film del 57’ di cui la pellicola è remake/rielaborazione è come  l’appuntamento per una sfida, quella che i due protagonisti del film devono affrontare e vincere per preservare la propria statura di eroi. Il duello fra pistoleri coraggiosi è il cuore di ogni western. 

CUORE: Il duello soprattutto verbale  fra Wade e Evans, interretto e ripreso di continuo.

PARTICOLARMENTE ADATTO A: chi auspica un ritorno in grande stile del western

STELLE: **** suggestiva resurrezione di un vecchio classico.

VOTO/BILANCIO: 7

SCHEDA:

3:10 to Yuma  USA 2007 Produzione  RELATIVITY MEDIA, TREE LINE FILMS 

Distribuzione  MEDUSA  Data uscita  19-10-2007 

Durata  117  

Genere  WESTERN 

Specifiche tecniche  35 MM, SUPER 35 STAMPATO A 35 MM (1:2.35) 

Tratto da  racconto "3:10 to Yuma" di Elmore Leonard 

Regia James  Mangold  

Attori

Russell  Crowe  Ben Wade

Christian  Bale  Dan Evans

Logan  Lerman  William Evans

Ben  Foster  Charlie Prince

Peter  Fonda  Byron McElroy

Vinessa  Shaw  Emmy Nelson

Alan  Tudyk  Doc Potter

Gretchen  Mol  Alice Evans

Kevin  Durand  Tucker

Dallas  Roberts  Grayson Butterfield

Luce  Rains  Marshall Weathers

Lennie  Loftin  Glen Hollander

Rio  Alexander  Campos

Johnny  Whitworth  Tommy Darden

Shawn  Howell  Jackson

Luke  Wilson  Zeke

Forrest  Fyre  Walter Boles

Sean  Hennigan  Marshall Will Doane

Ramon  Frank  Kinter

Christopher  Berry  Sam Fuller

Arron  Shiver  Bill Moons

Jason  Rodriguez  Tighe

Brian  Duffy  Sutherland

Pat  Ricotti  Jorgensen

Benjamin  Petry  Mark Evans

Chris  Browning  Crawley

Chad  Brummett  Kane

Girard  Swan  Harvey Pell

Soggetto Elmore  Leonard  (racconto)

Sceneggiatura Halsted  Welles   Michael  Brandt   Derek  Haas  

Fotografia Phedon  Papamichael  

Musiche Marco  Beltrami  

Montaggio Michael  McCusker  

Scenografia Andrew  Menzies   Costumi Arianne  Phillips   Effetti Mark  Dornfeld   Robert  Stromberg  

C’è un modo per poter studiare la realtà e poi raccontarla? Nell’ultimo film di Carlo Mazzacurati, La giusta distanza, ambientato in un algido Polesine più allegorico che vero, il direttore di un giornale di provincia lo spiega senza usare troppe perifrasi al giovane dilettante: le cose vanno guardate dalla giusta distanza, né troppo da vicino né troppo da lontano, bisogna rimanere nell’ombra dell’anonimato, non farsi riconoscere affinché la gente senza saperlo si sveli per quella che è. E in effetti al fine di darci gli strumenti per conoscere il precipizio-Paese nel quale oggi siamo, scrittori e cineasti, dovrebbero adottare questa regola aurea: farcelo osservare di scorcio, portarci fuori dai confini assieme al loro obiettivo per mettere a fuoco da una prospettiva estraniante l’oggetto d’osservazione. Allora forse davanti a noi si materializzerebbe il malessere che serpeggia nell’Italia mediatica dei tonni gigante, dei SUV ingombranti, del benessere barbarico e del precariato colto, degli immigrati integrati a metà, dei docenti di scuola impazziti, della moda enogastronomica,  dei massacri feroci di giovani donne indifese perpetrati  da bravi ragazzi insospettabili e delle impunità garantita dalla leggi promulgate apposta per gli azzeccagarbugli: il morbo è diffuso ovunque, ha nomi diversi a seconda dei luoghi e delle circostanze, ma il più allarmante dei  sintomi, quando un intera Nazione ne è infetta, è la diffusione di un analfabetismo di ritorno collettivo, ovvero la dimenticanza e l’abbandono graduali di una lingua e di una produzione intellettuale atte a restituire concretezza e verità agli individui e alle loro esistenze.

 La pellicola di Mazzacurati diagnostica così il male di cui essa stessa e il cinema italiano in genere soffrono: l’impossibilità di uscire dalle secche dei luoghi comuni più o meno rimasticati, il regionalismo macchiettistico, il riferimento infecondo ed obbligato a una tradizione filmica e ai suoi generi classici che non trova più nel dibattito sociale e culturale linfa corroborante. Ne La giusta distanza l’isolamento, le case sperdute nella campagna, la nebbia, la strada stretta lungo i margini del fiume, le citazioni di Olmi e di Fellini, sono i correlativi oggettivi dell’afasia e del torpore di una comunità senza più parole per descriversi: ecco perché un noir a tensione dimezzata, un delitto procrastinato e un indagine posticcia da fiction televisiva di scarsa qualità.

 Il collante della vicenda è piuttosto la maturazione dell’adolescente Giovanni da cronista/scribacchino  in giornalista professionista convinto del valore di un mestiere, di cui  ha riscoperto sulla sua pelle le radici nell’etica illuministica: a caratterizzare il talento autentico non è l’algida obiettività, al contrario essa viene dopo la  passione per la giustizia e il dovere di contribuire a raddrizzare i torti. Il difficile e contraddittorio apprendistato del giovane, di cui purtroppo il lungometraggio spesso abbandona le tracce per incespicare nella love story e nel ritratto d’ambiente, si attua attraverso un’educazione sentimentale impervia: Hassan e Marta si innamorano, hanno momenti di tenerezza e distacco, ma nessuno ha a disposizione tredici vite e quindi sono costretti a lasciarsi; infatuato di lei, Giovanni la spia, si insinua, testimone silenzioso, fra i due amanti, imparando  che dietro ogni storia ci sono sentimenti e ragioni, vittime e colpevoli e sviscerando con l’esperienza l’ ambiguità del precetto impartitogli dal  maturo mentore.

 Amore e pietà consentono la distanza “giusta” dalle cose: Giovanni va ad ammirare la compagna di scuola campionessa d’atletica, la contempla in un momento di pausa o di stanchezza e lì sono i confini per uscire dal  Paese dei tonni gigante.

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COSI COMINCIA:  In un paesino alle foci del Po Hassan, un meccanico tunisino perfettamente integrato nella comunità e Mara, insegnante elementare supplente in procinto di partire per il Brasile, sono amanti. Fra loro svolge il ruolo del terzo incomodo Giovanni, diciottenne e aspirante giornalista…

TITOLO: Il titolo riassume il motivo portante della pellicola. La regola della giusta distanza da tenere per osservare la realtà è però ambigua, non cosi facilmente interpretabile e applicabile. Eppure introiettarla, comprenderne appieno il senso è quello che farà il vero protagonista del film, Giovanni, un giornalista di talento, capace di restituire giustizia e verità in un Paese in cui esse sembrano latitare.

CUORE: Il colloquio fra Giovanni e il suo mentore al bar, nel quale il maturo giornalista spiega al dilettante che non ha voluto fotografare la sua maestra impazzita la regola della giusta distanza da tenere per descrivere la realtà.

PARTICOLARMENTE ADATTO A: chi cerca una diagnosi sul cinema italiano contemporaneo e sulla sua capacità di essere riflesso della società

STELLE: ***il noir non coinvolge, però guardiamo dai confini l’Italia dei tonni gigante.

VOTO/BILANCIO: 6+

SCHEDA:

Durata  110    ITALIA  2007 Produzione  FANDANGO, RAI CINEMA 

Distribuzione  01 DISTRIBUTION  Data uscita  20-10-2007 

Durato 1h e 50’

Genere  DRAMMATICO 

Specifiche tecniche  35 MM 

Regia Carlo  Mazzacurati  

Attori

Giovanni  Capovilla  Giovanni

Ahmed  Hafiene  Hassan

Valentina  Lodovini  Mara

Giuseppe  Battiston  Amos

Roberto  Abbiati  Bolla

Natalino  Balasso  Franco

Stefano  Scandaletto  Guido

Mirko  Artuso  Frusta

Fabrizio  Bentivoglio  Bencivenga

Marian  Rocco  Eva

Fadila  Belkleba  Jamila

Dario  Cantarelli  Tiresia

Raffaella  Cabia Fiorin  Zia Giacinta

Roberto  Citran  Padre di Giovanni

Sceneggiatura Carlo  Mazzacurati   Doriana  Leondeff   Marco  Pettenello   Claudio  Piersanti  

Fotografia Luca  Bigazzi  

Montaggio Paolo  Cottignola  

Scenografia Giancarlo  Basili  

Costumi Francesca  Sartori  

Il poster è onomatopeico, nel senso che l’azione dei coltelli affilati produce il suono “ratatouille”. La parola è per di più ossimorica: dura e dolce nel contempo e anche il manifesto gioca sul contrasto fra il candore luccicante dell’ambiente e l’animaletto grigio, il topo, la creatura disgustosa per antonomasia.

Nel poster colpisce la rinuncia al colore: il silenzio cromatico fa assomigliare il quadro a un fumetto o una vecchia stampa e conferisce all’immagine un alone di arcaicità, denunciando l’intento della pellicola, remake del celebre omonimo film del 1957 diretto da Delmer Daves, di recuperare il rigore sobrio di un genere classico, il western, di cui Quel treno per Yuma, ambientato in una stanza in un severo bianco e nero, costituisce una pietra miliare e un punto di svolta.

 La presenza del treno fumante in arrivo, i due uomini, e la decolorazione hanno il valore quindi di una citazione, ma nello stesso tempo sono un esplicito richiamo alle situazioni caratteristiche dei “pistoleri” più evoluti: i due cowboy, probabilmente il fuorilegge e il tutore dell’ordine, il cacciatore e il cacciato, il fucile e il revolver, l’ombra sul volto della tesa del cappello, lo sguardo orgoglioso di sfida, e infine l’orologio che cronometra l’attesa dell’evento drammatico. 

Un volto di donna dagli occhi dolci e tristi, un albero rinsecchito, una figura nera misteriosa in piedi alle  spalle, una radura avvolta da una foschia giallastra illividente in una tenebra inquietante, un algido Nord, uno spazio caratterizzato non realisticamente azioni. ma simbolicamente, una sorta di selva dantesca “oscura”: è il tetro regno del delitto e del male e chi vi entra per errore è destinato a esserne vittima. Il poster sembra dunque preannunciare un noir classico in cui le atmosfere determinano le azioni

 In Hairspray, seconda trasposizione sullo schermo dopo quella del 1988 ad opera dell’irriverente Waters di Lacca per capelli musical di Meehan e O’Donnel, la tradizionale ripartizione fiabesca fra buoni/simpatici e cattivi/antipatici, a essere sinceri, lascia qualche dubbio, soprattutto quando si sente il bambolotto idolo delle teen-ager, Zac Efron, e l’amico discutere a proposito dell’assassinio di Cesare su come sia possibile che il mese di Marzo abbia delle idee: analogamente l’ amata, la paffuta Tracy, confessa di aver sempre dormito durante le ore di Storia a scuola e il gruppo di ragazzi di colore, sospesi con tanto di nota dalle lezioni e occupato tutto il dì in frenetiche danze in un’aula appartata del liceo, di buoni libri non pare averne letti neppure uno. Se nelle teste dei volteggianti teen ager del “Corny Collin Show” echeggiano esclusivamente ritmi e motivetti facili e il tirannicidio di Bruto e Cassio ispirato al desiderio di rivendicare la libertà non desta il minimo interesse, di che si nutre in loro la coscienza critica  e la volontà di cambiamenti? Non assomigliano forse un po’ troppo nell’evidente ignoranza e nella spontaneità artificiosa agli aspiranti famosi e alle agresti “pupe” delle fortunate trasmissioni di oggi? In realtà il confronto è fuorviante: la consonanza di aspirazioni è evidente, eppure il coro ballerino di Hairspray è un archetipo, solo  potenzialmente modello omologante, e la pellicola raffigura l’esaltazione di una scoperta, l’entusiasmo di un inizio e la gioia di una conquista sofferta: a veicolare le rivoluzione culturali contribuiscono del resto più le mode e i mutamenti nel gusto che non le sofisticate analisi degli intellettuali.

 La panoramica iniziale sulla Baltimora degli anni 60’, nella quale la protagonista passeggia cantando, è un inno a una città in fermento arrivata a un punto di svolta: l’esuberante ed obesa Tracy che non si scandalizza all’esibizionista con l’impermeabile aperto anzi ne ride, saltella sui camion, disprezza  gli insegnanti e si batte per l’integrazione razziale è il vivente ed inconsapevole prodromo del 68’ e della contestazione giovanile. Peccato che l’ex ballerino ed ex coreografo di musical celebri, già regista di film targati Disney( Mission Tata, Un ciclone in casa), Adam Shankman, innamorato del suo fluorescente spettacolo, si sia preoccupato di ingentilire le caratteristiche eversive dei suoi personaggi, smussando nella paciosa e bonaria rotondità delle forme le spigolose intemperanze dietetiche e le probabili ingordigie psichiche: la rivalsa di Tracy e della madre Edna ne valorizza l’assoluta medietà, ovvero il loro essere, nonostante i troppi chili, madre e figlia allo stesso modo in cui devono esserlo una casalinga comune e la devota prole; il loro trionfo all’interno di una società ostile è l’ennesima concretizzazione del sogno americano, la cui realizzazione non è tanto premio al  talento quanto all’idealismo coraggioso e alla passione ostinata di chi emerge da una condizione di disagio.

 In effetti le numerose inquadrature d’insieme dei numeri danzanti in radio o altrove non sono particolarmente accondiscendenti nei confronti delle grazie motorie dell’eroina: la  principale qualità è piuttosto l’incrollabile fiducia in se stessa e l’ essere specchio di un popolo orgoglioso persino delle proprie malettie. Ricordate per caso  Super Size me?

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COSI’ COMINCIA: Siamo a Baltimora nel 1962. Tracy è un adolescente obesa, ma sa ballare magnificamente, e sogna di poter prendere parte al “Corny Collins Show”, il programma adorata dalla gioventù della città. A causa dell’abbandono di una delle star della trasmissione, la produzione cerca un volto nuovo e Tracy si presenta e nonostante l’ostilità della più bella dello show, Amber, e dell’ambiziosa madre, riesce a diventare la reginetta dello spettacolo e a far sì che anche i neri possano parteciparvi assime ai bianchi…

TITOLO: “Lacca per capelli”  è il titolo del musical di Meehan e O’ Donnell trasposto già sullo schermo nel 1988 da Waters e ora da Shankman: si tratta della sfida simbolica a cui audacemente decide di partecipare l’eroina del film, che non arrendendosi alle apparenze e alla convenzioni cambia il mondo. 

CUORE: Il cuore del film è la sequenza iniziale in cui Tracy passeggia inneggiando a un Baltimora sul punto di essere liberata…

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PARTICOLARMENTE ADATTO A: a chi si è depresso vedendo Super Size me: le cose si possono sempre considerare da punti di vista  opposti, no?

STELLE:***favola musicata e colorata godibile con un Travolta magna mater…certo che se non vi aggrada il genere

VOTO BILANCIO:6

VOTO/BILANCIO:

SCHEDA:   

Hairspray  USA 2007 Produzione  GABRIEL SIMON PRODUCTION SERVICES, STORYLINE ENTERTAINMENT, NEW LINE CINEMA  Distribuzione  MOVIEMAX  Data uscita  28-09-2007 

Durata  1h e 57’   

Genere   MUSICALE 

Specifiche tecniche  HD 

Tratto da  musical omonimo di Thomas Meehan e Mark O'Donnell 

Regia Adam  Shankman  

Attori

John  Travolta  Edna Turnblad

Nikki  Blonsky  Tracy Turnblad

Amanda  Bynes  Penny Pingleton

Christopher  Walken  Wilbur Turnblad

Zac  Efron  Link Larkin

Elijah  Kelley  Seaweed J. Stubbs

Queen  Latifah  Motormouth Maybelle

Michelle  Pfeiffer  Velma von Tussle

Brittany  Snow  Amber von Tussel

James  Marsden  Corny Collins

Allison  Janney  Prudy Pingleton

Taylor  Parks  Inez

Jesse  Weafer  IQ

Soggetto Mark  O'Donnell  (musical) Thomas  Meehan  (musical)

Sceneggiatura Mark  O'Donnell   Thomas  Meehan   Leslie  Dixon  

Fotografia Bojan  Bazelli  

Musiche Marc  Shaiman  

Montaggio Michael  Tronick  

Scenografia David  Gropman  

Arredamento Gordon  Sim   Costumi Rita  Ryack   Effetti  R!Ot Pictures     Pacific Title    Alterian Inc.  

  I due innamorati protagonisti della favola raccontata da Stardust vengono a conoscere il sentimento che li lega, quando lui sta chiuso in una gabbietta, mutato in topolino dalla carceriera della madre, e lei, stella cadente, è ormai una bionda ed eterea fanciulla, che ha conservato della natura originaria solamente la luminescenza abbagliante e in un’ esistenza secolare in mezzo ai pianeti, ha imparato che nella Storia dell’uomo le apparenze sono inconciliabili con le verità dell’anima e che i corpi costretti dal tempo o dal ruolo ad assestarsi nella tirannia di un aspetto sono soggetti alla forza scatenante di passioni  e desideri  ribelli.  La saggezza malinconica della cometa costretta a confrontarsi con il miserevole mondo umano e a rimpiangere la bellezza incontaminata del cosmo è il cuore palpitante del bel romanzo di Neil Gaiman, da cui Matthew Vaughn, il regista di The pusher, ha tratto un divertente fantasy conciliante e niente affatto pessimista: nella pellicola infatti la classica avventura del giovane inconsapevole principe, collocata in una pittoresca Inghilterra rurale di fine ‘800, alla conquista del trono e della principessa in incognita rispetta molti dei luoghi comuni e lo spirito sbrigativamente giustizialista del genere, concedendo ai buoni felicità e contentezza e punendo i malvagi con la soppressione o con la sconfitta congiunta all’invidia e al livore inestinguibili. 

 Waughn ha preferito in realtà offrire alla spettatore del libro una rilettura sostanzialmente fedele ma speculare: l’universo è un gioco di forme e svela continue sorprese agli audaci che spiccano il salto nella frattura del muro proteggente la comunità e le sue regole, e le peripezie a cavallo di una candela nella valle magica fra locande incantate e torri gigante e la missione esplorativa fra i mutanti meritano la favolosa ricompensa del matrimonio con la donna/astro.

  La stella, sposa prigioniera nel reame, rimpiange forse la purezza del cielo, ma si realizza imbrattandosi nelle impurità fangose della terra: qui le luci del teatro non sono mai spente, il palcoscenico è costantemente affollato e i personaggi, sfilando in passerella, cambiano ininterrottamente pose e fisionomie. Shakespeare, il nome di un mostro sacro della letteratura, pronunciato con enfasi su una nave pirata fa rabbrividire di paura e all’inverso l’attore che lo interpreta, noto gangster sulla scena, un metamorfico Robert De Niro, è un vezzoso travestito, tutto piume e mossette, spumeggiante ballerino di can can; gli scettri grondano di sangue e si perpetrano per l’impero fatato racchiuso in un rubino stragi tra consanguinei, eppure la famiglia orrendamente massacrata non se ne va  lasciando dietro di sé rancori e vendette da compiere, ma trascolora lietamente in un corteo di fantasmi seduti in carrozza e la persecuzione è un’ allegra claque per il parente omicida sopravvissuto.

 Il caleidoscopio del resto non resta mai uguale a stesso, gli uomini trapassano in capre e le capre in uomini, il macho campione invitto di scherma strizza l’occhiolino al macho bucaniere, e il non integrato, il tragico diverso, Lamia, la strega malvagia, svanisce d’incanto, bandito per sempre: la ricerca della giovinezza eterna è l’unico peccato non riscattabile, giacché la cattiveria scaturita dall’angoscia di invecchiare rappresenta l’infrazione irreparabile di un realistico inferno interiore riservato agli esuli ciechi.

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COSI’ COMINCIA: Siamo nell’Inghilterra di 132 anni fa, in un piccolo villaggio. Il giovane Tristan promette all’innamorata di andare a cercare il luogo dov’è caduta una stella cadente e di regalargliela. Inizia così per lui un avventuroso viaggio, che inizia in un bosco, vicino al paese, popolato da creature magiche e denominato Faerie, nel quale gli umani possono entrare solo una volta ogni nove anni…

TITOLO: Il titolo “Polvere di stelle”  è quello del romanzo di Neil Gaiman, da cui il film è tratto ed allude alla prevedibile vicenda favolistica raccontata: tutti, buoni e cattivi, inseguono il cuore della stella caduta sulla terra, in quanto, nel reame incantato, rappresenta il classico simbolo dell’amore e del potere, riservato però a chi se se dimostrerà meritevole, superando determinate prove.

CUORE: Il cuore del film è la dichiarazione d’amore della stella al topolino chiuso in gabbia: l’universo metamorfico dove nulla è mai ciò che sembra è una sorpresa continua

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PARTICOLARMENTE ADATTO A: chi ama abbandonarsi agli incantesimi del fantasy, ma con un pizzico di ironia

STELLE: *** il fantasy, pur concedendo molto ai luoghi comuni del genere, gioca più sull’ambiguità di personaggi metamorfici che su avventure mirabolanti ed effetti speciali e per questo diverte.

VOTO/BILANCIO: 7-

SCHEDA:   

GRAN BRETAGNA, USA  2007 Produzione  DI BONAVENTURA PICTURES, INGENIOUS FILM PARTNERS, MARV FILMS, PARAMOUNT PICTURES  Distribuzione  UNIVERSAL  Data uscita  12-10-2007 

Durata 2h e 8’

Genere  FANTASY 

Specifiche tecniche  PANAVISION, (1:2.35) 

Tratto da  romanzo omonimo di Neil Gaiman 

Regia Matthew  Vaughn  

Attori

Charlie  Cox  Tristran

Robert  De Niro  Capitano Shakespeare

Michelle  Pfeiffer  Lamia

Claire  Danes  Yvaine

Sienna  Miller  Victoria

Jason  Flemyng  Primus

Rupert  Everett  Secondus

Peter  O'Toole  Re di Stormhold

Nathaniel  Parker  Dunstan Thorne

Ian  McKellen  Voce narrante V.O.

Henry  Cavill  Humphrey

Ricky  Gervais  Ferdy

Kate  Magowan  Una

Frank  Ellis  Sig. Monday

Sarah  Alexander  Empusa

Joanna  Scanlan  Mormo

Josie  Rees  Xenia

Mark  Strong  Septimus

Jake  Curran  Bernard

Ben  Barnes  Dunstan Thorne, giovane

Adam  Buxton  Sextmus

Peter  Goodall  Figlio di Tristran

Soggetto Neil  Gaiman  (romanzo)

Sceneggiatura Jane  Goldman   Matthew  Vaughn  

Fotografia Ben  Davis  

Musiche Ilan  Eshkeri  

Montaggio Jon  Harris  

Scenografia Gavin  Bocquet   Arredamento Peter  Young   Costumi Sammy  Sheldon   Effetti

Stuart  Brisdon   Steve  Street   Sheila  Wickens  The Senate Visual Effects Limited  Gentle Giant Studios Inc.   Cinesite (Europe) Ltd.    Lip Sync Post  Double Negative  

Il manifesto riassume le tappe essenziali della storia, che appartenendo in tutta evidenza al genere fantastico, fa perno sulla lotta, destinata al trionfo, delle forze del bene su quelle del male: al centro un alone dorato, la polvere di stelle, racchiude in una sorta di cerchio magico la coppia di innamorati e li protegge dai nemici che, in alto ai lati, rivelano nell’espressione del volto e nella sguardo la loro natura: a destra una donna, probabilmente una strega, seducente e malvagia, a sinistra un uomo duro e crudele, forse un tiranno, con un ‘arma in pugno e dietro di lui una massa furente ed ostile avvolta da una minacciosa oscurità interrotta dai lampi che formano una specie di ragnatela. A soccorrere i due giovani c’è anche una spada, impugnata con fermezza dal ragazzo a difesa dell’amata; essi forse possono contare sull’aiuto al loro fianco di un paladino generoso e di una bizzarra figura, uno gnomo o un elfo, caratterizzata da un enorme capello e dalla pipa.

Il poster allude  al film “Grasso è bello” diretto nel 1988 da John Waters, in cui il ruolo principale, quello della madre di Tracy, era interpretato da un travestito, Divine: qui attorno a un irriconoscibile e sgargiante John Travolta-donna ruotano tutti gli altri personaggi e “Haispray” del coreografo Shankman è scopertamente un remake.

Il trionfo di colori vivi e allegri, la camicette a fiori, l’accentuazione del sorriso sui volti comunicano la visione della vita edulcorata propria del musical/commedia: tensioni e differenze si armonizzano esclusivamente nel corpo di ballo e la rivoluzione è meramente estetico/spettacolare. La paffuta e tondeggiata obesità della protagonista non ha potenzialità sovversive di nessun genere: essa è una figura paciosa, una fatina bizzarra e buona, sotto le luci del circo/palcoscenico. Il violetto di cui è rivestita fa pensare a una sessualità morbida, materna, persino buffa, contrapposta al rosso demoniaco delle due donne sexy a lato.    

 Se il post-moderno Tarantino nel lato A di Grinhouse, Death Proof, tenta di iniettare nell’infermo e senescente cinema contemporaneo il farmaco corroborante dell’entusiasmo e dell’esuberanza bambinesca di quando negli anni 70 nelle scalcagnate sale della provincia statunitense proiettavano in coppia rozzi filmastri entusiasticamente grondanti di sesso alluso, inseguimenti in auto, pugni, corpi maciullati e fantascienza d’accatto, Rodriguez, nel lato B, Planet Terror gioca a dotare il progetto, stiracchiandosi più del necessario, del supporto di un’ideologia passatista e pacifista: l’umanità si è allontanata dallo stato di natura, per salvarla dall’apocalisse incombente, bisogna far squillare il campanello d’allarme scherzando con la guerra fittizia, combattuta da un manipolo di “nostri” scombinati che vanno in battaglia in triciclo con sparasiringhe velenose e gambe-mitragliatrice e scongiurano il pericolo di estinzione della specie.

 L’epopea carnevalesca   contempla il mondo cosi com’è, pur guardandolo a testa all’ingiù e con i piedi per aria, tuttavia in Planet terror la grottesca deformazione del vero travalica persino il capovolgimento burlesco: la ballerina  lap-dancer Cherry, il guidatore di carro attrezzi, il protagonista del trailer “Machete”, lo sceriffo, il  duetto di lesbiche, il generale, gli zombie, dottori e infermiere, le femmine in gabbia, si muovono tutti guidati dall’automatismo di chi abita un universo/enciclopedia fatto di stereotipi e figure tipo, da cui sono  banditi artici intellettualistici quali individualità e  creatività autoriale. Il baccanale splatter contrappone la grassa risata pantagruelica o il moto di disgusto allibito alla presunzione della tradizione cinematografica e letteraria di decodificare la realtà, di decrittarne il senso nascosto e di ricavarne leggi di vita: tragedia e commedia non sono altro che schemi e linguaggi con cui l’uomo tenta di irreggimentare una verità non conoscibile e la cui rappresentazione è sempre inconclusa, trailer perenne di un film inesistente.

Il cinema di Tarantino/Rodriguez eleva l’agnosticismo amorale a etica, l’unica legittima sullo schermo, e non ha altra filosofia al di fuori di se stesso: lo spauracchio Bin Laden, la paura delle armi chimiche, la rivincita dei pitocchi e il matriarcato in riva al mare sulle rovine Maya non esprimono un futuro di morte o la speranza di una rinascita, sono icone pure, segni che, alternandosi, plasmano la percezione delle realtà della gente comune e l’immaginario mediatico. Tanto è vero che il pianeta del terrore sta dovunque e da nessuno parte e non c’è neppure un quando: in una cittadina del Texas strani malati iniziano ad affollare l’ospedale, ma stiamo forse vedendo, alterati da qualche bicchiere di troppo, l’ennesima puntata di Grey’s Anatomy e il dottore “sickos” è il dottor House…

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COSI’ COMINCIA: In una cittadina del Texas iniziano ad arrivare persone infettate da uno strano virus che rende le orbite dei loro occhi vuote e riempie di piaghe i loro corpi. Il morbo li ha trasformati in “sickos”, zombie assettati di carne umana che minacciano la sopravvivenza del pianeta. Sulla loro strada incontrano però Cherry, una ballerina di lap-dance, e il suo ex, Wray: i due combattono assieme a un manipolo di sani, lei con un fucile come protesi dopo che la gamba le è stata amputata,  lui guidando un carro attrezzi sgangherato.

TITOLO: Il grind del titolo era il taglio dei protezionisti che negli anni 70 negli Stati Uniti per proiettare nella sale d’infimo livello pellicole in copia, sforbiciavano e tagliavano: dunque il doppio film era più un prodotto artigianale, che l’opera di un autore. Planet terror è la seconda parte del progetto firmato Tarantino/Rodriguez di riportare in vita lo spirito gioiosamente goliardico di tali sottoprodotti: il pianeta terra si trasforma nel regno incontrollabile di una carnevalesca apocalisse…

CUORE: Il cuore della pellicola è l’accumulo di oggetti e di figure tipo: una gerarchia al loro interno rivelerebbe la scelta di un autore che qui volutamente latita.

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PARTICOLARMENTE ADATTO A: a chi ha visto Death proof e agli appassionati dello splatter

STELLE: ***animato da una solida cultura e da una poetica coerente, ma sembra non finire mai, soprattutto se non amate il genere

VOTO/BILANCIO: 6/7

SCHEDA:   

Origine  USA 2007 Produzione  DIMENSION FILMS, A BAND APART, RODRIGUEZ INTERNATIONAL PICTURES, EYETRONICS USA, TROUBLEMAKER STUDIOS, THE WEINSTEIN COMPANY  Distribuzione  MEDUSA  Data uscita  28-09-2007 

Genere  ZOMBIE MOVIE

Durata: 1h e 45’

Specifiche tecniche  ARRIFLEX CAMERAS-COOK S4 LENS, PANAVISION GENESIS HD CAMERA, SUPER 35MM-FUJI ETERNA 500, VIDEO, HDTV, SUPER 35 (3-PERF), (1:2.35) 

Vietato  14 

Regia

Robert  Rodriguez  ("Planet Terror"/"Machete", finto trailer)

Eli  Roth  ("Thanksgiving", finto trailer)

Rob  Zombie  ("Werewolf Women of the S.S.", finto trailer)

Edgar  Wright  ("Don't Scream", finto trailer)

Attori

Rose  McGowan  Cherry

Quentin  Tarantino  Violentatore

Marley  Shelton  Dott.ssa Dakota Block

Michael  Parks  Earl McGraw

Freddy  Rodríguez  Wray

Josh  Brolin  Dott. William Block

Bruce  Willis  Tenente Muldoon

Jeff  Fahey  J.T.

Michael  Biehn  Sceriffo Hague (anche "Thanksgiving", finto trailer)

Naveen  Andrews  Abby

Stacy  Ferguson  Tammy

Nicky  Katt  Joe

Hung  Nguyen  Dott. Crane

Tom  Savini  Vicesceriffo Tolo

Carlos  Gallardo  Vicesceriffo Carlos

Jordan  Ladd  Judy ("Thanksgiving", finto trailer)

Eli  Roth  Tucker ("Thanksgiving", finto trailer)

Danny  Trejo  Machete ("Machete", finto trailer)

Nicolas  Cage  Fu Manchu ("Werewolf Women of the SS", finto trailer)

Sybil  Danning  Gretchen Krupp ("Werewolf Women of the SS", finto trailer)

Udo  Kier  Franz Hess ("Werewolf Women of the SS", finto trailer)

Sheri   Moon  (Sheri Moon Zombie) Eva Krupp ("Werewolf Women of The Ss", finto trailer)

Soggetto Robert  Rodriguez  ("Planet Terror")

Sceneggiatura Robert  Rodriguez  ("Planet Terror")

Fotografia Robert  Rodriguez   Milan  Chadima  ("Thanksgiving", finto trailer) Phil  Parmet ("Werewolf Women of the SS", finto trailer)

Musiche Robert  Rodriguez   Nathan  Barr  ("Thanksgiving", finto trailer)

Montaggio Robert  Rodriguez  ("Planet Terror") Ethan  Maniquis  ("Planet Terror") George  Folsey Jr.  ("Thanksgiving", finto trailer)

Scenografia Steve  Joyner   Arredamento Jeanette  Scott   Costumi Nina  Proctor   Effetti

 The Orphanage   K.N.B. Effects Group  

Lo spettatore esce dalla visione dell’ultimo film di François Ozon, Angel-la vita, il romanzo, tratto dal libro del 1957 della scrittrice inglese Elisabeth Taylor, omonima dell’attrice, disorientato: la favola della sfortunata Cenerentola/pennivendola( creatura letteraria ispirata comunque a Marie Correlli, autrice dotata di scarso talento ma molto popolare, vissuta fra il 1855 e 1924) interpretata da un’affettata Romola Garai appartiene scopertamente a un’epoca diversa dalla nostra e personaggi, dialoghi ambienti e stile di regia sono quanto di più lontano si possa immaginare dal modo contemporaneo di concepire la Settima Arte. L’effetto estraniante è merito del virtuosismo dell’autore/filologo, eppure l’accurata ricostruzione desta in molti perplessità e fa nascere il sospetto di un’operazione artificiosamente estetizzante: l’immaginario collettivo contemporaneo, condizionato dai mass-media, si nutre di altri miti è vero, ma la ricerca di Ozon delle origini remote del fenomeno nella puritana società inglese dei primi del ‘900 interseca la divagazione erudita su reperti archeologici con  lo scavo analitico.

 Egli colloca significativamente al centro dell’ indagine sulla biografia di un’artista dimenticata senza qualità il gruppo di donne: se i padri/fratelli/mariti/amanti combattono le guerre, fanno politica, creano opere destinate ai posteri, e sono artefici della Storia, le mogli/sorelle/madri, chiuse ed abbandonate nei ginecei, fantasticano, sublimano, partoriscono paradisi, li nutrono e li difendono con ostinazione fino alla morte.  

 Se emancipazione e femminismo possono, nel linguaggio e nella prassi, vanificarsi nell’omologazione spersonalizzante di entrambi i sessi, il sentimentale Ozon, da sempre innamorato dell’altra metà del cielo( basta ricordare Otto donne o Sotto la sabbia )alla liberazione dei costumi arriva per vie opposte, tenendo rigorosamente separato l’ universo virile da quello muliebre e recuperando, in una traduzione letterale all’eccesso, il  melodramma ipercolarato e iperpatetico hollywoodiano degli anni 40/50 di Douglas Sirk, George Cukor e Vicent Mannelli detto appunto “per signore”: queste ultime, abitando il mondo spoglio e triste dai “limitati cromatismi” dei maschii, lo abbelliscono del rosso vivo della fantasia e della passione, lo incappucciano per non vederlo con il bianco della neve e Angel-una vita, il romanzo ne racconta le virtù trasfiguranti, non rinunciando tuttavia a esemplificare nel destino della protagonista l’inevitabile sconfitta storica ed esistenziale di un prototipo tanto fragile ed evanescente da non sopravvivere intatto al cinismo intelligente degli eventi.

 Una prospettiva di parte certo, il rovesciamento in chiave decadente dell’esuberanza di Almodovar e della corporalità carnevalesca di Tarantino; la bianca vergine deflorata, la dalia recisa di The black Dahlia di De Palma.  Un eroismo del cuore, il coraggio della genuinità e del sogno, contrapposti al conformismo prosaico o alla rassegnazione autodistruttiva degli uomini: Angel nella volontà di farsi avanti in una società classista/maschilista ed ostile ricorda la Rossella O’Hara di Via col vento, ma soprattutto dà voce alle tante vittime dolenti ed appartate, che vivono nell’ombra, la cui pena e forza interiore il lungometraggio lascia affiorare a tratti, nelle pause dell’azione, con delicatezza. La moglie dell’editore, l’antica proprietaria di “Paradise”, la fedele Nora, hanno edificato in anni di silenziosa devozione a chi non ha potuto o voluto ricambiarle un mausoleo da proteggere a costo della rinuncia alla dignità e quando esso crolla esse continuano a custodirlo nella memoria o svaniscono con lui:  “detesto la scrittrice, tuttavia ammiro la donna” dice una di loro quando cala il sipario su Angel, come se vedesse il futuro, quando i cancelli di “Paradise” saranno troppo arrugginiti per riaprirsi e dagli schermi della Tv sorrideranno consapevoli le veline laureate.

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COSI’ COMINCIA: Siamo nell’Inghilterra agli inizi del ‘900. Una giovane scrittrice Angel Deverell grazie all’enorme successo popolare dei suoi romanzi, opera più di una fervida immaginazione che di vero talento, riesce a riscattare le sue umili origini, ma rifiutando le convenzioni imposte dalla società la sua vita non sarà facile….

TITOLO: Il titolo originale è in inglese in quanto si tratta del primo film girato in quella lingua dal regista francese. “La vita che ha vissuto o la vita che ha sognato” commenta cosi la devota Nora il destino di Angel: la pellicola di Ozon colma lo iato, raccontando le frustrazioni di un’ esistenza sostanzialmente fallimentare con lo stile enfatico e sentimentale dei sogni messi su carta dalla fantasiosa pennivendola. La strategia adottata fa risaltare ancora di più la discrepanza che sta alla radice di tutto ciò che riesce a far presa su un vasto pubblico.

CUORE: il castello mausoleo di Angel, chiamato significativamente “Paradise” che ne raffigura il triste destino: da bambina lo ammira dal cancello, diventata famosa lo va ad abitare, dimenticata da tutti lo vedrà ricoprirsi di foglie….alla sua morte, diventa un museo per i quadri del marito.

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PARTICOLARMENTE ADATTO A: chi sogna ancora principi azzurri, castelli e valzer nella neve.

STELLE: ****ricostruzione filologica strappalacrime, ma con acume

VOTO/BILANCIO: 7-

SCHEDA:   

The Real Life of Angel Deverell  BELGIO, FRANCIA, GRAN BRETAGNA   Produzione  FIDÉLITÉ PRODUCTIONS, POISSON ROUGE PICTURES, SCOPE PICTURES, FOZ/VIRTUAL FILM, WILD BUNCH, FRANCE 2 CINÉMA, CELLULOID DREAMS, CANAL +, TPS STAR, SOFICA SOFICINEMA 2, SOFICA SOFICINEMA 3  Distribuzione  TEODORA FILM (2007)  Data uscita  05-10-2007 

Durata: 1h e 58’

Genere: Biografia

Specifiche tecniche  35 MM (1:1.85) 

Tratto da  romanzo omonimo di Elizabeth Taylor (ed. Neri Pozza) 

Regia François  Ozon  

Attori

Romola  Garai  Angel

Lucy  Russell  Nora Howe-Nevinson

Michael  Fassbender  Esmé

Sam  Neill  Théo

Charlotte  Rampling  Hermione

Jacqueline  Tong  Madre di Angel

Janine  Duvitski  Zia Lottie

Norley  Christopher  Lord Benjamin

Jemma  Powell  Angelica

Alison  Pargeter  Edwina

Tom  Georgeson  Marvell

Geoffrey  Streatfield  Sebastian

Rosanna  Lavelle  Lady Irania

Roger  Morlidge  Giornalista

Seymour  Matthews  Medico

Teresa  Churcher  Cameriera

Teresa  Churcher  Governante

Una  Stubbs  Insegnante

Simon  Woods  Giovane giornalista

Soggetto Elizabeth  Taylor (II)  (romanzo)

Sceneggiatura François  Ozon   Martin  Crimp  

Fotografia Denis  Lenoir  

Musiche Philippe  Rombi  

Montaggio Muriel  Breton  

Scenografia Katia  Wyszkop  

Costumi Pascaline  Chavanne  

Effetti Daniel  Trujillo  

L’ingenuo sogno delle Cenerentole di ogni tempo è questo: avvolta di un magnifico abito da sera coloro rosso fuoco( a quanto pare reminiscenza della Jezebel di La figlia del vento di Wyler), baciare con trasporto il principe azzurro in smoking, mentre una romantica neve spruzzando i corpi avvinti rende magico lo scenario. Ricchezza ed amore dunque su sfondo bianco a simboleggiare un’esistenza depurata totalmente da qualsiasi dolore e dominata  dai colori vividi della passione ricambiata. La figura del poster suggerisce che la tematica della pellicola è il potere universale dell’immaginario popolare, di cui i romanzi mediocri di Angel Deverell, scrittrice inglese di famiglia umile dei primi del ‘900 oggi dimenticata si nutrirono. Per la sua capacità di rappresentare un ‘epoca e un mondo Ozon ne racconta la vita.

Il manifesto rievoca d’altra parte i melodrammi hollywoodiani degli anni trenta e quaranta detti “per signore”: la stessa donna rappresentata nella locandina ha qualcosa  nella postura nei lunghi capelli neri sciolti sulle spalle della Rossella O’Hara di Via col vento, un mito nel quale migliaia di fanciulle soprattutto delle classi meno abbienti si sono identificate. Angel pare anche un’operazione di riscrittura/recupero del cinema del passato. Dobbiamo sospettare l’anacronismo estetizzante ? O piuttosto dobbiamo aspettarci l’ironica presa di distanza da un modo di rappresentare la realtà ormai inattuale? La prospettiva sarà storico/critica o meramente nostalgica?       

Quasi tutti i film di Ken Loach potrebbero essere inseriti in un pamphlet contro il  capitalismo e l’ideologia neoliberista. La cinematografia di matrice realista dell’autore inglese non pone al centro dell’obiettivo individui chiusi nel privato di una stanza, ma  corpi in movimento coatto per le strade, nei cantieri o in uffici stipati, involucri svuotati di anima e di identità da un meccanismo che ne ha provocato la metamorfosi da esseri umani in schiavi: “mi chiamo Ludmilla” “faccio l’insegnante” bisbigliano, confusi nella mandria prima di entrare nel macello, gli immigrati di In questo mondo libero e quei timidi sussurri traducono il rimpianto per una vita mancata.  La quotidianità della metropoli del terzo millennio ha realizzato e ha reso invisibile abbagliando con il luccichio dei grattacieli la distopia dei romanzi di fantascienza, un mostro cannibale, in opposizione al quale si ergono  un barlume di coscienza e talora l’ eroica lotta per non farsi divorare: le epopee romantiche dell’emarginazione ribelle in “Piovono pietre”, “ Lady Bird, Lady Bird” o “Sweet Sixteen”, il miglior Ken Loach, emozionano e stordiscono alla stregua di un appassionante match di pugilato.

In In questo mondo libero, presentato alla 64.ma mostra di Venezia, il regista e il suo sceneggiatore Paul Laverty rovesciano lo schema consueto: la battaglia non è condotta in nome di nobili ideali, bensì per l’ egoistica, quanto illusoria, preservazione di se stessi. Angie, ragazza madre, una lunga serie di frustrazioni alle spalle, licenziata dall’agenzia di collocamento per extracomunitari ove è impiegata, decide di diventare imprenditrice, saltando il fosso che divide oppressi e oppressori e riuscendo a trasformarsi da vittima sfruttata in aguzzina profittatrice. L’iniziazione della giovane e bionda centaura, protagonista del lungometraggio, al brutale universo di chi ricava guadagni enormi sullo schiavismo degli immigrati clandestini non contempla cooptazione e nemmeno  coraggio: l’unica prova da superare è il tradimento degli affetti familiari e dell’amore, nonché la rinuncia ai valori inculcati dall’educazione dei padri ancora imperniata sull’etica.

 Un percorso paradigmatico dal progresso alla  barbarie, sicuramente verosimile nella sue esemplarità, che però Loach non riesce ad illuminare in profondità: assillato dall’ansia didattica di documentare il peggiore dei mondi possibili, convinto probabilmente che il terzo mondo londinese abbia soffocato in chi lo abita, respiro umano, egli rinuncia a percepirne il soffio e a portarlo alla luce. Si accontenta piuttosto di una morale scontata, affidata a personaggi irrisolti e alla loro elementare dialettica: nella solidarietà fra poveri vi è speranza e salvezza, chi si estranea, superando il limite per realizzarsi come self-made man, si perde, precipitando in un baratro senza fondo.

 Più ambigua resta invece la radice del degrado, in quanto malvagità innata e innocenza non hanno nessuna parte nella fosca vicenda: se, parrebbe di capire, è la jungla civile a corrompere l’uomo, a provocare  la violenza già nella aule di scuola elementare e si rapiscono i bambini per avere giustizia e riappropriarsi del maltolto, basterebbe cambiare sistema e scomparirebbero le iniquità dalla faccia del pianeta? E i boss mafiosi, gli impuniti dalle autorità indifferenti o conniventi, i nascosti manovratori dei derelitti, di cui dà testimonianza “In questo mondo libero” di quale marciume sono figli? Cercare una risposta all’eterna presenza del male, frugando il cuore di tenebra,  avrebbe significato forse per Loach proiettare un’ombra sulla sua musa ispiratrice ovvero l’ideologia, eppure la storia della dannazione di Angie sarebbe stata un’ottima occasione per andare oltre all’apologo didattico e all’abituale, ovvio aggiornamento dei manualetti marxiani.        

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COSI’ COMINCIA: Siamo nell’Inghilterra dei giorni nostri. Angie, lavora in un’agenzia di collocamento e a causa di una cattiva risposta data un cliente viene licenziata: decide allora di cambiare vita, di buttarsi alle spalle anni di sconfitte e frustrazione e di fondare una propria agenzia, con lo scopo di inserire gli immigrati nel mondo del lavoro. Un’amica Rose l’aiuta ed insieme si trovano a dover lottare contro un sistema cinico basato sulla sopraffazione nei confronti dei più deboli.  

TITOLO: “Londra è il terzo mondo” si dice nel film: il mondo occidentale è la parte del pianeta libera per antonomasia. Autonomia di scelta, opportunità, possibilità di essere soggetto attivo del processo produttivo caratterizzano in teoria le società capitalistiche e il titolo, richiamando tali virtù conclamate , suona beffardo. 

CUORE:  La scena in cui Angie e Rose, amiche da una vita, si separano in auto: la prima ha appena denunciato un gruppo di clandestini per sgombrare lo spazio che le serve per i suoi operai, raggiungendo il culmine del degrado morale, il punto di non ritorno; l’altra l’abbandona, dicendole “Non ti riconosco più”.

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PARTICOLARMENTE ADATTO A: a chi considera il sistema capitalistico il peggiore o il migliore dei mondi possibile

STELLE: **flash sul terzo mondo londinese

VOTO/BILANCIO: 6-

SCHEDA:   

It's a Free World...    GERMANIA, GRAN BRETAGNA, ITALIA, SPAGNA  2007 Produzione  KEN LOACH, REBECCA O'BRIEN, PIOTR REISCH, RAFAL BUKS PER SIXTEEN FILMS LTD., TORNASOL FILMS S.A., SPI INTERNATIONAL, FILMSTIFTUNG NORDRHEIN-WESTFALEN, FILMFOUR, EMC PRODUKTION, BIM DISTRIBUZIONE  Distribuzione  BIM  Data uscita  28-09-2007

Durata:1h e 36’

Genere: DRAMMA SOCIALE

Regia Ken  Loach  

Attori

Kierston  Wareing  Angie

Juliet  Ellis  Rose

Leslaw  Zurek  Karol

Colin  Caughlin  Geoff

Joe  Siffleet  Jamie

Faruk  Pruti  Emir

Branko  Tomovic  Milan

Radoslaw  Kaim  Jan

Serge  Soric  Toni

Nadine  Marshall  Diane

Frank  Gilhooley  Derek

Raymond  Mearns  Andy

Steve  Lorrigan  Sergente di polizia

Sceneggiatura Paul  Laverty  

Fotografia Nigel  Willoughby   

Musiche George  Fenton  

Montaggio Jonathan  Morris  

Scenografia Fergus  Clegg   Costumi Carole K.  Millar